日本人メキシコ移住100周年をテーマにオリジナル制作した作品と、近作を中心にポスター100枚を展示。現代メキシコを代表する10人のデザイナーが、個性あふれるポスターで競演した。作品は十人十色ではあるが、いずれもラテン気質にあふれたエネルギッシュで色どり豊かな表現で彩られている。いわばメキシコ文化の現在が、それぞれのポスターの中に鋭く切り取られていたといえるだろう。伝統文化にこだわりながらも、オリジナリティ創出のためのデザイン遍歴が、今ここに大きな花を咲かせたともいえる。1990年から始まったメキシコ国際ポスター・ビエンナーレ。その開催国のデザイナーとしての誇りと意欲は、初日のギャラリートークでも熱く伝わってきた。

100 original posters made to commemorate 100 years of Japanese immigration to Mexico. 10 leading Mexican designers competed with full of individual posters each. They all were filled with a Latin mood, energetic and colorful. Each poster seemed to strongly outline current Mexican culture. While adhering to traditional culture, travels for bringing out originality in their designs have borne great fruit here. The pride and motivation of the designers of the country that has held the Mexican International Biennale since 1990 was passionately evident in the Gallery Talk on the opening day.

メキシコの文化的背景を紹介した映像作品にも人気が集まった。

Movies introducing the Mexican cultural background were very popular.

デザイナー、イラストレーター

Designer, Illustrator

ギャラリートーク「メイド・イン・メキシコ　今日のデザイン」

Gallery Talk ”Made in Mexico Graphic Design of Today"

ワルシャワ・ビエンナーレ、メキシコ・ビエンナーレなどに展示される。

メキシコシティ生まれ。国立ビジュアル・アート・スクールに学ぶ。第15回ワルシャワ国際ポスタービエンナーレ、第4回メキシコ国際ポスタービエンナーレに出品。数々のポスター、イラストレーションコンテストで受賞。

His works exhibited at the Warsaw and Mexican Biennales.

スペインの「ラテンアメリカ・ポスター展」、チェコの「メキシコのポスター100展」などに展示される。

インダストリアルデザインを学んだあと、イタリアへ渡り、グラフィックデザインを始める。1978年メキシコへ戻り、メキシコシティ郊外のテポストラン村で活動。国際デザインコンテストにて受賞多数。デザイングループ「サロン・ロホ」の創立メンバー。

His works exhibited at the Latin American Poster Exhibition in Spain and the 100 Mexican Posters Exhibition in Czechoslovakia.

全国シルクスクリーン・カラー印刷賞受賞。第3回メキシコ国際ポスタービエンナーレ出品。90年メキシカンポスターコレクション出品。94年オーストリアのザルツブルグ大学で展覧会。96年プラハ「メキシコのポスター100」展に出品。

メキシコのソノーラ生まれ。82年キューバのハバナに移住、デザイナーとして活動。88年メキシコに戻り、フリーランスのアーティストとして活動。ベラクルス自治大学とゲスタルトデザイン学校の教授。

メキシコシティ生まれ。国立UNAMに学び、グラフィックコミュニケーションの教育に携わる。1968年より広告代理店に勤務、ゼロックス・メキシコ社のCIデザイン等を手がける。一方、「エル・コンベント」を共同で設立し、デザイン書籍の編集や展覧会グラフィック等の分野で活躍。80年よりフリーランス。アメリカやヨーロッパ各国で作品が紹介される。世界ビジュアルアーチスト委員会所属。

メキシコ生まれ。国立美術学校でデザインを学ぶ。『Cultura Sur』誌、『Artes de Mexico』誌のデザイン、教科書、児童書、展覧会カタログや美術書籍等の編集を手がける。その他、歌手やロックグループのポスター制作、1996年連邦選挙管理委員会ポスター、政治や公共キャンペーンのグラフィックを手がける。グラフィックデザインの教育活動にも従事。

メキシコ生まれ。1976年イタリアに渡り、ミラノでグラフィックデザインを学ぶ。1977年に帰国し、多くのデザイナーたちが育った出版社マデロ出版社のビセンテ・ロホのもとで仕事をする。1988年ICOGRADAの創設25周年記念制作のための6人のグラフィックデザイナーの一1人に選ばれる。1989年から93年まで、サルーモデザイン事務所のディレクターを務め、文化関係の仕事を中心に活動する。現在はフリーランスとして活躍中。システムデクレアドレス（創造者全国組織）とクォルム＆ドラマビジュアル（演劇映像の会）会員。

Born in Mexico, he studied graphic design by going to Milan in Italy in 1976. After he returned to Mexico in 1977, he worked with Vicente　　Rojo  at the Publishing company, Maderoa, which is known for having fostered many designers. Montalvo was then chosen as one of 6 graphic designers to make the ICOGRADA 25th Anniversary Commemoration in 1988. He worked as a director in the Salumo Design Offices from 1989 to 1993 primarily on cultural projects. He is currently freelancing. He is a member of System de Creadores (a nationwide creators) oeganization and Quorum & Drama Visual (a theatrical video association).

デザイナー

Designer

国立グラフィックアート学校に学び、1967年よりコマーシャルアートに携わる。その後マデロ出版社に勤務。78~86年、経済文化財団のデザイン部長。『El Ermitano』編集部を創立、主宰する。第2回メキシコ国際ポスタービエンナーレの審査委員長を務める。現在はフリーのデザイナーとして文化活動を展開。

画家、彫刻家、グラフィックデザイナー

Painter, Sculptor, Graphic Designer

スペイン・バルセロナ生まれ。1979年よりメキシコに移住。画家、彫刻家、グラフィックデザイナーとして活動。それらの活動によって、国民芸術賞、メキシコ・デザイン賞受賞。スペインで最優秀美術賞受賞。エル・コレジオ・ナショナル、National System of Emeritus Creators会員。

メキシコシティ生まれ。パリ音楽院に電子音響音楽を学ぶ。その後、メキシコシティの国立美術館に勤務。1986年より父のアルマザン主宰のデザイン会社に勤務。作曲家、演奏家としても精力的に活動。

dddギャラリーには国外の気鋭のデザイナーを紹介してきた歴史がありますが、それを最初に提案したのは松井桂三氏。スペインで行われた「JAPAN PRINT」展でスペインを訪れた氏が、３度もスペインの地でDNPの北島義俊社長（当時）に出会ったことで、帰国後に「大阪で年に２〜３回、展覧会企画をお願いしたい」との依頼を受け、「世界の若手〜中堅デザイナーを紹介することができるなら」と提案したことからdddギャラリーのひとつの性格が形作られることになりました。 東京のgggでは有名な国外のデザイナーの展覧会は開かれていましたが、日本人がまだ知らないこれからのデザイナーを紹介する場は当時はなく、dddギャラリーは独自の存在意義をそこに見出すことになりました。松井氏が足で稼いだネットワークが海外との接点となり、そこからアジア・アフリカを含む幅広い海外デザイナーの紹介につながりました（海外では一時はgggよりもdddの方が認知度が高かったという噂も）。 松井氏が企画した展覧会のポスターは自身が手がけていますが、インターネットのない90年代、出展デザイナーとやりとりをするのに時間がかかるため、そして、企画者がデザイナーの松井氏であることが信頼につながっており、情報の少ないデザイナーなどは松井氏のイマジネーションがポスターに強く発揮されています。例えば「ホワイノット・アソシエイツ展（第12回）」のポスターは「why」を手がかりに「？」を針金で作りガーゼを巻き付けガソリンを染み込ませ、燃やして撮影していたり、「ラッセル・ウォーレン-フィッシャー展（第15回）」では「Fish(er)」をモチーフに市場で買ってきた生きたヒラメを撮影したりしてつくられています。インターネット以前のグラフィックデザインを見るうえで貴重な逸話です。 松井氏はdddギャラリーの移転に際し、「これからのグラフィックデザインがどうなるかを考える展覧会が増えることを期待している。未来のことを考え、人々の五感を動かすことがグラフィックデザイナーの仕事」とのメッセージを寄せてくれました。

ddd gallery has a history of showcasing emerging designers from overseas; the initiator of these exhibitions was Keizo Matsui. When visiting Spain for the Japan Print Exhibition held there, he met the president of DNP (at that time), Yoshitoshi Kitajima, three times. After returning to Japan, Kitajima asked Matsui to come up with two or three exhibitions a year in Osaka, and suggested showcasing the world’s young and mid-career designers, which ended up forming part of ddd Gallery’s backbone. Tokyo’s ggg had held exhibitions of famous designers, but in those days no place was showcasing designers yet unknown to the Japanese; in that way, ddd gallery had discovered its own unique reason to exist. The network that Matsui had gained from his travels led to connections with wide reaching introductions of international designers, including those from Asia and Africa (there was also a rumor that, at one stage, ddd was more well-known than ggg internationally). Though Matsui did design the posters for exhibitions he curated, correspondence with exhibiting designers back in the 90s took time without the internet; there was also a lack of information available on these designers. Being a designer, exhibition planner Matsui was hence trusted with the posters, and as a result his imagination is on full display in the designs. For example, for the poster for the 12th Why Not Associates Exhibition, he created a question mark (?) representing ‘why’ with wire, wrapped it in gauze, doused it in gasoline, set it alight, and took photos, and for the 15th Russell Warren-Fisher Exhibition he bought a live flounder from the market as a motif for Fish(er) and photographed it. They now serve as interesting graphic design anecdotes from a pre-internet era. With the most recent relocation of ddd Gallery, Matsui delivered a message that stated, “I hope to see more exhibitions that make us think about what is to become of graphic design. Graphic design should make us think about the future, and rouse the senses of every person.”

グラフィックデザインの展覧会は、基本的に成果展であり、それら以外に展示できるものといえばスケッチや指示書が限界です。これだと展覧会として発展性がないので、鳥海展では書体となって流通するまでのプロセスをいかに作品化し、構成できるのか、ということを考えました。私は現代美術のキュレーターですが、鳥海展ではむしろ、デザイナーのように取り組んだ展示だと思います。「わかりやすく、取りつきやすい空間」というテーマに設定し、「一般性」をすごく意識しました。 また、京都dddギャラリーは主にデザイン業界に向けた施設だと思いますが、「非西洋諸国の近代性」という点に着目して眺めています。たとえば日本語活字は、表音文字と表意文字が混ざった言語を無理やり正方形の中に収めて書体化し、なんとか西洋のアルファベットのように成立させた均一な連続体ですが、そもそもなぜ均質にする必要があるのか。鳥海さんは無意識的に「水のような米のような文字（＝すんなり入ってくる文字）」ということを仰っていますが、逆に言うと、実はわれわれは知らず知らずのうちに、鳥海さんのような書体設計士が想像する身体に標準化されている=制度化されているのではないか。グリッドシステムが奨励されたときもありますが、そもそもそんなに整然とさせる必要があるのか。見やすいデザイン、あるいは読みやすい本文組みとは、そもそも誰の身体に向けたことなのか。グラフィックデザイン領域において、そういった西洋近代への批判性はほとんど議論されることはないように思います。これらを扱う展覧会に期待しています。

Graphic design exhibitions usually showcase accomplishments; beyond that all that can be displayed are sketches and notes surrounding visuals. There’s no room to expand exhibitions this way though; for Torinoumi’s exhibition I came up with the notion that we could turn the process of creating a typeface itself into the exhibited work. I’m a contemporary art curator, but for Torinoumi’s exhibition I worked on it more like a designer, I feel. I established a theme of making it easy-to-understand with an easy-to-follow space design, while being constantly aware of a universalness. In addition, though Kyoto ddd Gallery was established primarily for the design world, they’re focused on the “modernity of the non-Western sphere,” I believe. For example, Japanese type takes the Japanese language with its mix of phonograms and ideograms, and creates typefaces by forcing them into squares in uniform succession that is somehow similar to the Latin alphabet; but what is all the homogeneity for in the first place? Torinoumi himself speaks of characters being “like water, like rice,” (i.e. we absorb them without resistance), but on the contrary, isn’t it the forms created by typeface designers like Torinoumi that we are all made to believe is standardized, or we are all institutionalized by? Grid systems do help induce them, but is all the systemisation necessary in the first place? Pleasant visuals and easy to read body typesetting are for whom exactly? In the field of graphic design, there is practically no discussion, or criticism of the West. I hope for more exhibitions dealing with this.

写真家

photographer

グラフィック・デザイナー

Graphic Designer

広島県生まれ。大阪芸術大学中退。1970年ロシア、ヨーロッパを経てシルクロードを歩く。髙島屋宣伝部を経て、1984年松井桂三デザイン室、92年ハンドレットデザインインク設立。日米グラフィックデザイン展銀賞、東京ADC賞ほか受賞多数。最近はグラフィックデザインを中心に広告、パッケージ、環境、映像、建築など様々なジャンルを手がける。「チャイナグラフィックデザイン'96」（中国）、「MATSUI=GRAPHIKDESIGN AUS JAPAN」（独）など海外で展覧会開催。著書に『3Dグラフィックス』（六耀社）、『平面設計士松井桂三』（中国青年出版社）がある。AGI、NY.ADC、東京ADC、東京TDC会員。JAGDA理事。

Born in Hiroshima, he left Osaka University of Arts. In 1970, he traveled through the Silk Road from Russia and Europe. After the advertising department of Takashimaya, he established the Keizo Matsui Design Office in 1984 and Hundred Design Inc. in 1992. His many awards include the Japan-America Graphic Design Exhibition Silver Award and the Tokyo ADC Award. Recently, he is primarily involved graphic design but also many genre such as packaging, the environment, film, and architecture. He has has exhibition abroad such as "China Graphic Design '96" (China) and "Matsui-Graphkdesign aus Japan" (Germany). His books include "3D Graphics" (Rikuyosha) and "Keizo Matsui: The Graphic Designer" '(Chugoku Seinen Publishing Co.). He is a member of AGI, NY.ADC, Tokyo ADC, Tokyo TDC and is a director of JAGDA.


メキシコ10人展

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